Muchas veces nos preguntamos dónde se origino el rock, el funk, la música disco, o el hip hop. Para eso debemos recorrer un camino a través de la historia de la música moderna que encontramos en América hacia fines del siglo XIX.

El origen lo encontramos en los esclavos mayoritariamente africanos llegados a las distintas costas de América. Gran parte de ellos provenían o descendían de grupos étnicos y culturales conocidos como Wolof (provenientes principalmente de lo que es hoy Senegal, Mauritania, Malí, Guinea, Camerún, Senegal, Níger, Sierra Leona, Liberia, Burkina Faso y Costa de Marfil entre otros) que fueron obligados a adaptar y fusionar sus creencias con el cristianismo protestante.

Como una forma de combatir el desarraigo y la tristeza los esclavos Africanos mantuvieron sus danzas y música tribal improvisando bailes y rituales propios, pero en algunas áreas del sur de EEUU se prohibía el uso de tambores, por lo cual los esclavos tuvieron que recurrir a la percusión con el batir de sus manos y pies.

Paralelamente nacían las primeras canciones o himnos llamados Spirituals, que fueron adaptaciones de los cantos y salmos cristianos populares de los himnos religiosos protestantes. Estas canciones hablaban en su mayoría de la liberación de los esclavos y obviamente de un Dios que los iba a liberar algún día.

En Nueva Orleans las prohibiciones no eran tan estrictas, allí se les permitía el uso de tambores, además de poder reunirse para cantar usando instrumentos tales como el Birimbao (calabazas llenas de piedritas), el Halam un instrumento de cuerdas considerado antecesor del banjo actual, (hecho con una calabaza alargada que había sido secada hasta conseguir una rigidez que soportara cinco cuerdas elaboradas con pelo de caballo), o el Riti o Goje, (algo similar a un pequeño violín) que contaba con una o dos cuerdas elaboradas también con crines de caballo.

El fin de la guerra de Secesión, y por consiguiente de la esclavitud, permitió la llegada de gran cantidad de instrumentos de Europa, muchos de los cuales pasaron a manos de los libertos, quienes comenzaron a aprender su uso.

En este punto debo hacer un alto, para arribar a la vieja cuestión entre el Blues y el Jazz, ¿quién nació primero? Sin que ningún purista se enoje, debo decir que en los orígenes del jazz la cantidad de blues contenido en las primeras grabaciones es importante.

El blues fue reconocido como un género con identidad propia antes de la cristalización del jazz, lo que nos lleva a pensar que el blues, en su evolución natural, originó el jazz.

Pero esto no sucedió mucho antes, su periodo de formación fue largo, sus características formales no quedaron definidas e identificadas hasta entrado el 1900, apenas unos años antes que le sucediera lo mismo jazz, es decir no más allá de 1914.

Hasta aquí hemos zanjado las diferencias entre ambos estilos. Pero debo hablar de un tercero en discordia, que completa el árbol genealógico de la música Afroamericana. Me refiero al Góspel.

Un estilo bastante anterior al blues y al jazz, música religiosa de las iglesias negras, es una música rica, sincopada, en la que cabían las palmas, los gritos, la llamada y la respuesta, que se acompañaba con movimientos del cuerpo, y donde la improvisación tenía una importancia fundamental. Además, con el tiempo, se fueron incorporando instrumentos de la música profana.

Dicho esto ahora vamos a trazar una línea de tiempo que nos va a permitir llegar al Rock tal como lo conocemos hoy en día.

Para interpretar y apreciar la relación entre el Blues y el Jazz, debemos hablar de Blues Rural y tenemos prestar atención al contexto social donde surgió y se desarrolló tradicionalmente en sus primeros años, es decir el periodo comprendido entre finales del siglo 19 y mediados del 20.

Otro aspecto importante es la ubicación del área geográfica donde el blues rural tuvo más carácter, la mítica región del Delta del Mississippi, que no es el delta de la desembocadura. De New Orleans centro a la región del Delta hay que recorrer unos 500 kilómetros hacia el norte, suficientes para distanciar dos lugares que no tenían nada que ver: la ciudad con un puerto marítimo abierto al mundo, alegre y cosmopolita (donde se empezó a tocar el jazz), y las grandes plantaciones del interior, en general de ambiente miserable y encerrado en sí mismo (donde se cantaba blues).

El Blues se desarrolla también a través de los Himnos Spirituals, las canciones de oración, de trabajo, las baladas escocesas e irlandesas. Sus bases comenzaron en el Country Blues originado en aquellos músicos que trabajaban por las zonas rurales del sur. En el Blues el cantante expresa sus sentimientos, manifiesta emociones tales como la tristeza o melancolía, o sencillamente problemas en el amor. Cuando se traslada esta música a Chicago nace el Blues eléctrico.

Siguiendo en los fines del 1870, es donde se comienzan conformar los primeros grupos musicales de New Orleans, que fueron contratados en su mayoría para acompañar funerales tocando himnos Spirituals y se las llamo Marching bands (Bandas de música), o Brass Bands (Bandas de metales).

Algunos músicos principiantes y autodidactas fueron interpretando a su manera la música clásica europea y las marchas populares de bandas blancas, adaptando los ritmos sincopados de la música africana, así nació un nuevo estilo de música llamado Ragtime.

Su referente más popular fue Scott Joplin con la canción “Maple Leaf Rag” de 1897 o “The Entertainer” de 1903, que se hiciera más conocida como banda sonora de la película “El Golpe”. Recomiendo escuchar cualquiera de las dos para entender más fácilmente el estilo. Los primeros ragtime impresos surgen a mediados del siglo XIX, pero existen pocos documentos históricos de la fase temprana del ragtime, la primera partitura fue publicada en Chicago en el año 1897. A principios del 1900 varios músicos fueron llevando el Rag hasta convertirlo en  el Jazz.

El Jazz posee una identidad musical compleja, es un producto de la cultura afroamericana, pero en cierta forma siempre ha estado abierto a nutrirse de otras tradiciones musicales variando, obviamente, con la mezcla de culturas. No caben dudas que el jazz es una forma de música negra, y que en ella encontramos en los afroamericanos sus mayores innovadores.

Hacia finales de la primera guerra mundial las bandas de Rag,se fueron convirtiendo en orquestas de Jazz, como les mencionara anteriormente, y de él deriva el Swing que es ni más ni menos que un estilo de Jazz.

El Swing es un estilo orquestal, duplicando los instrumentos con el consiguiente aumento de músicos. Entre 1910 y 1920, en la comunidad afroamericana (cuando no!), se forjaron las raíces de los bailes del swing gracias a bailarines espontáneos que disfrutaban del baile a ritmo de los acordes del piano del Ragtime, y el Jazz. En 1938 se comienza a consolidar como un fenómeno social a través de la Big Band regenteada por Benny Goodman.

Durante las décadas del 30 y 40 nacen el Gipsy swing y el Boogie Woogie, y luego aparece el Be bop de la mano de Dizzie Gillespie, Thelonious Monk, John Coltrane, Cecil Taylor, Charlie Parker, Kenny Clarke entre otros, estos pioneros del Jazz moderno rompieron el molde de las Big bands, para interpretar un estilo más libre e improvisado.

Como comenté anteriormente, Chicago, tras la segunda guerra mundial, se convirtió en el centro del Blues eléctrico teniendo como máximos exponentes a Howlin Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon, Freddy King, BB King y Albert King entre otros.

Muchos de estos artistas grabaron con el sello Chess Records, especializado inicialmente en blues, jazz y soul, entre estos los músicos se destacaba uno llamado Chuck Berry que comenzó con la transición lenta del blues eléctrico al rock & Roll.  

Alrededor de 1945 se comienza a escuchar un nuevo estilo de música llamado Rhythm & Blues, que tomaba las armonías del blues, el uso de la guitarra eléctrica y la armonización vocal del Gospel, sumando a esto el uso del piano.

Un Dj americano Albert James Freed más conocido como Alan Freed, se encargaba de difundir el Rhythm & Blues afroamericano en las radios de Estados Unidos y Europa bajo el nombre Rock & Roll.

La expresión fue tomada por Freed de la propia música negra que él difundía, que solía contenerla en las letras de las canciones, como el tema “Rock and rolling” de Bob Robinson, “Rock and rolling mamma” de Buddy Jones y “Cherry Red” de Big Joe Turner, las tres lanzadas en el año 1939.

El primer éxito del R&R fue “Rock around the clock” de Bill Haley y sus cometas en el año 1955, y luego “Tutti frutti” de Little Richard, mas la entrada en escena de Elvis Presley se comienza a consolidar como nuevo estilo musical.

A partir de lo hecho por Elvis Presley, tanto en Estados Unidos como en Inglaterra nace la imagen estética impuesta principalmente por él, creando si quererlo la subcultura del rocker.

A partir de los años 60 comienza una etapa que se caracteriza por un mejor y mayor trabajo en la sonoridad y las armonías vocales. Un claro ejemplo de esto fueron las canciones creadas por The Beach Boys. Si no escuchen su álbum “Pet sounds”.

Paulatinamente va dejando de ser un ritmo que representaba a los jóvenes rebeldes en los 50, dando lugar género denominado rock o música rock, que marcaría un hito entre la generación de los jóvenes en los 60 y su identificación con ella.

Así es como nacen nuevos estilos o subgéneros como el rockabilly o el hard rock, el rock de garage, punk rock, rock progresivo, glam rock, entre otros.

Si a toda esta marea musical le sumamos, la que comenzaba a gestarse en Inglaterra, (nuestra próxima entrega) tenemos el rompecabezas completo!

El resto, como dicen, es historia.

Hasta la próxima!

Hace unos cuantos años que hago radio, el bicho me pico (no el del Covid-19 si no el de la radio) un poco tarde a mi gusto pero aquí estoy.

Saliendo al aire dos veces a la semana por Radio Gráfica, en dos programas distintos, (La Puerta y Nuestro Sur), casi opuestos me atrevo a decir, pero en los dos casos le pongo muchísima garra, como si fuera el primer día y por supuesto rodeado de gente maravillosa.

Para el comienzo del 2020 tenía doble festejo, uno por iniciar la segunda temporada de Nuestro Sur, luego de una primera temporada que superó todas nuestras expectativas, y el otro en La Puerta por el inicio de la novena temporada, (algo habremos hecho no?), todo muy lindo, listo para festejar hasta que apareció el maldito Covid-19 vestido de pandemia, impensado!.

Las luces se apagaron de golpe, se bajó el telón, guardamos toda la parafernalia festiva en un baúl, y de las ganas de festejar no quiero contarles donde quedaron, una lástima!

Como todos, pensamos que la cuarentena iba a durar unas semanas nada mas, es por eso que decidimos emitir programas anteriores o “refritos” como se dice en la jerga.

A medida que fueron transcurriendo las semanas el bichito radial cada vez nos causaba más escozor, amén que fuimos cayendo en cuenta que la cuarentena había llegado para instalarse por un buen rato, con este panorama comenzamos a pensar en cómo retomar nuestra rutina radial.

El primer intento fue volver a la radio, (¡que iluso!), esto fue imposible por varias razones, como ser, permisos para circular, un protocolo muy exigente en Radio Gráfica, y estar cerca de la llamada población de riesgo (Golpe al mentón). Afuera con el primer intento.

El segundo fue el de realizar el programa en vivo desde casa, pero de nuevo por protocolo radial nos informaron que no hay operación técnica a partir de las 21 Hs. Afuera con el segundo intento.

Nos quedaba una última posibilidad, realizar el programa desde casa, grabarlo y sacarlo al aire, facilísimo!!!

La Puerta no es un programa que conlleve operaciones de física cuántica, pero guarda sus bemoles, somos varios que solemos interactuar mucho, gran cantidad de música y por supuesto mucha información acerca de la misma. Nuestra primera idea fue hacerlo vía conversación telefónica grabada pero pronto nos dimos cuenta que nos faltaba la interacción visual, importante al querer hablar, las mirada y los gestos, hasta la postura corporal ayudan y mucho. Adicionalmente a esto casi ninguno del grupo cuenta ya con telefonía fija y caer en la telefonía móvil donde cada uno se tiene que ir moviendo para captar alguna de las 4G es verdaderamente traumático. Idea descartada.

Finalmente optamos por el famoso Zoom, preparamos la grilla donde se detalla paso a paso la secuencia del programa incluyendo tiempos de habla, elección y duración de los temas, duración de las tandas publicitarias y  detalles varios que no merecen mención, así quedo conformada la grilla de trabajo, solo nos resto elegir día y hora para comenzar con la grabación, la elección fue un domingo a las 22 hs.

Pero, aquí comenzaron nuevos inconvenientes, como ser evitar el “eco” que producen las paredes de una casa que, obviamente no esta preparada acústicamente para hacer un programa de radio, a no decaer! La solución al alcance de la mano rodear la computadora con una buena pila de almohadones y voila! Estábamos listos para comenzar, (mientras en mi casa todos me miraban con preocupación por la acumulación compulsiva de tamaña cantidad de almohadones) pero más de un lector habrá notado que cuando hablan varias personas a la vez la cosa se pone muy complicada de entender, el famoso “Delay” o tiempo que tarda en llegar la información desde el emisor al receptor hace que se haga un ida y vuelta sin sentido donde parece que todos estamos hablando dentro de un gran caño flexible que alguien, vaya a saber quién, se encarga de contraerlo, estirarlo, retorcerlo mientras todos se pisan al hablar, resultado: una cacofonía muy poco entendible, y si a esto le sumamos la escasa oferta tecnológica y la famosa “Banda ancha” que últimamente ha hecho una dieta severa, y que estamos en Argentina, tendremos un resultado caótico. A esto tuvimos constantemente un ruido a cascada, agua corriendo o para ser más gráfico como si cada tanto en medio de la conversación algún ser contrario a nuestros deseos apretara el botón de un baño en la inmensidad de la internet.

El comienzo fue así lleno de “detalles”, con la banda ancha estaba saturadísima por lo que decidimos esperar cerca de media hora hasta que tuvimos un servicio razonable. Finalmente arrancamos una nueva etapa radial, con limitaciones y varios defectos de sonido, pero arrancamos, nos ayuda el poder vernos, nos permite usar las señas e indicaciones en forma clara, obvio que no nos gusta el grabar “en seco” sin música de fondo, pero esto ya “esta en vías de solución” como dirían en la tele. Al momento que Ud. lea este artículo ya habremos pasado algo más de media docena de programas realizados bajo el “efecto pandemia”.

A cada grabación la vamos mejorando, en general con soluciones simples tales como comunicarnos en horarios de baja utilización de internet, utilizando algún software adicional al provisto por Zoom, WhatsApp, Hangouts, Jitsu, etc (se nota que hicimos pruebas no?) para grabar nuestras voces en mejor calidad, vamos vertiendo pequeñas dosis de aceite en un mecanismo distinto al habitual, lentamente lo vamos logrando.

No quiero dejar de mencionar a los operadores de la radio, a quienes les enviamos un montón de audios sueltos y lo compaginan de forma impecable.

De esta forma, con una lucha titánica contra la tecnología cada vez que vamos a grabar conseguimos estar nuevamente en el aire.

Lo bueno en todo esto es haber vuelto a ruedo, seguir entreteniendo en tiempos de pandemia donde la gente sufre el encierro es importante, es nuestro granito de arena y por supuesto hace que nosotros también estemos un poco más ocupados, entretenidos y pensantes.

Un último detalle, alguien sigue apretando el botón del baño mientras grabamos, ya lo vamos a ubicar!!

Este ha sido un pequeño relato pandémico, solo me queda decirles aguantemos un poco más, contemos los días que faltan, no los que pasaron, pronto todo esto será una historia para contar a las generaciones venideras!

He escuchado el tema cientos de veces, en equipos regulares, en equipos muy buenos, con distintos tipos de auriculares, hasta en sistema de sonido holofónico (mas no se puede pretender), y siempre caigo rendido a sus pies, una interpretación sublime que despierta mi envidia, la que se origina en no tener ni una pizca de capacidad para componer o cantar.

¿Que lleva a un artista a inspirarse de semejante manera para interpretar un tema con una lírica inexistente?

Sinceramente no lo puedo responder.

Viajando en el tiempo quizás podamos encontrar alguna que otra respuesta.

Hacia fines de 1971 Pink Floyd comienza a elaborar un nuevo álbum, que fue “The dark side of the moon”, una obra que explora los tiempos modernos, la obsesión por el dinero, el tiempo, la locura y lo absurdo de la existencia del autor.

Lanzado al mercado en 1973 se convertiría en el álbum más famoso y de mayor éxito comercial de la banda, con la friolera de 45 millones de copias vendidas.

La última canción del lado A, es ni más ni menos que \»The Great Gig in the Sky\», o “El gran baile en el cielo” una notable composición instrumental de Richard Wright, la cual contiene uno de los solos vocales más impresionantes en la historia del rock.

Hago un pequeño detalle de la canción en forma terriblemente simple y pido disculpas:

La canción está inspirada en la tristeza y la inminente muerte del protagonista, al inicio de se escucha la magia del piano y órgano Hammond de Richard Wright, luego viene un fragmento de un discurso, y en forma inmediata a esta intervención aparece la maravillosa voz de Clare Torry que nos eriza la piel y nos lleva a los propios rincones inexplorados de nuestras almas.

Lentamente se suman más instrumentos y mas capas sonoras de forma impecable, hasta que, finalmente esta pieza lírica moderna finaliza, casi como comenzó con un piano que se despide dejando un manto de tristeza detrás.

¿Pero cómo se llego a esto?

Alan Parsons (Ingeniero de sonido, Productor y arreglista) sugiere el nombre de la cantante Clare Torry, ya que estaba muy impresionado con su producción vocal.

Clare Torry escucho la pieza desarrollada por Wright y solicitó que la volvieran a pasar, ella pensó que su voz debía ser un instrumento más en la canción, y cuenta que la única instrucción que recibió de parte de la banda fue: \»Piensa en la muerte o en algo horrible y canta\».

La cantante lo hace en solo tres tomas y cuenta que no recuerda haber notado mucho entusiasmo por lo hecho, salvo por parte de David Gilmour, y creyó que su trabajo jamás alcanzaría la mezcla final. Lo que no supo es que a los miembros de la banda les había encantado su improvisación.

A más de 40 años que fuera lanzada la canción, sigue cautivando a todo aquel que se deje atrapar por la magia de su voz y la música de Pink Floyd.

Para finalizar, y responder la pregunta inicial, creo que en este caso sucedió una combinación de la madurez compositiva de la banda, una voz inigualable, y dos personas (Wirght-Torry) que encajaron en tiempo, espacio y perfección.

Los invito a escuchar a continuación el programa de La Puerta donde tratamos esta pieza maestra con mayor nivel de detalle.

Hasta la próxima!

En lo personal me gusta poner las cosas en contexto, más aún cuando  refieren a algo que ha sucedido.

Muchas veces solemos mirar fuera de nuestro país, por muchas razones, sea por tecnología, desarrollo, cultura, productos y tantas otras cosas.

La música no esta exenta a esto, siempre solemos mirar a los países pioneros del desarrollo musical. Pero, ¿de cuantos países hablamos? la novedad es que solo hablamos de dos, Estados Unidos e Inglaterra, referentes en ese orden del desarrollo del rock en sus distintos géneros y sub géneros, desde los años 50 como para poner un punto de inicio, o sea hablamos de 70 años de historia musical moderna, tengan ese dato en una mano como para no olvidarse.

La segunda pregunta que hago es, ¿cuántas bandas con obras conceptuales u ópera rock encontramos en ese terreno, tan abundante en bandas y cantantes, que hayan trascendido? La respuesta es, muy pocas! Nos alcanzan los dedos de las manos para enumerarlos, importantes no más de diez me atrevo a decir.

Una ópera rock, no es de fácil factura, ya que a los conocimientos musicales de la banda hay que agregarle inspiración, una idea o concepto, desarrollar la obra a través de las canciones, para ser más simple: un inicio, desarrollo y un final o Coda en términos musicales.

Este tipo de composiciones fueron popularizadas por la banda británica The Who, quienes pensaron que en un disco se podía contar una historia a través de las canciones, es decir que completo fuese  una historia. Desechando la idea usual del disco donde cada tema es único.

No puedo dejar de reconocer la importancia de obras tales como Tommy de The Who que relata la historia de un joven y una serie de episodios traumáticos, o la loca historia del extraterrestre bisexual en The rise and fall of Ziggy Stardust and the spiders from mars de David Bowie, la magnífica The Wall (que más agregar) de Pink Floyd, o la fascinante historia de un joven que quiere triunfar en la música en Joe´s garaje de Frank Zappa, o el surrealismo en la historia de Rael en The lamb lies down in Brodway de Génesis y no muchos más como les conté al principio.

Ahora regresemos al primer concepto, y miremos hacia adentro, miremos nuestro ombligo, a nuestro rock que a la fecha tiene un desarrollo de 54 años! Si, no me equivoqué, busque y lea si no me cree, va a encontrar nombres como Lito Nebbia, Pajarito Zaguri, Moris, Javier Martinez, Miguel Abuelo, Carlos Mellino y la lista sigue, ellos arrancaron este hermoso viaje del rock Argento allá por los años sesenta.

Ahora comparemos con el dato que les dije que lo tuvieran a mano, 70 años contra 54, no pretendo hacer un discurso encendido sobre el desarrollo musical moderno en Argentina, pero sin lugar a dudas lo nuestro tiene muchísimo peso y bagaje, casi un podio le diría.

¿Justifica que miremos para adentro? Por supuesto que si! Y es acá donde los invito a que viajemos al año 1971 y nos encontremos con la banda Vox Dei, un grupo de pioneros del rock nacional, con arraigo en  Quilmes, formado en el año 1967 por Ricardo Soulé, Willy Quiroga, Juan Carlos Godoy y Rubén Basoalto.

Luego de su primer álbum, “Caliente” en 1970, deciden realizar una obra conceptual basada en las Sagradas Escrituras, había que animarse!

El álbum se llamó La Biblia, se editó en formato doble y por supuesto tuvo un guiño de la iglesia, el Cardenal Antonio Caggiano, que la autorizó con palabras amables para los músicos.

“A mí me hubiera costado tres horas explicar qué es Dios y vos apenas con un silogismo lo conseguiste.”

Una obra única, no solo por su contenido sino también por el contexto político social del país y el temprano desarrollo del rock nacional, considerada por la revista Rolling Stone en el puesto 14 de los 100 mejores álbumes del rock nacional.

Paso un último detalle, Tommy, de The Who se estreno en 1969, la segunda ópera rock a nivel mundial fue La Biblia en el año 1971, además de ser la primera en idioma castellano, el resto de las obras, tanto extranjeras como nacionales, (Arco Iris – Sudamerica o el regreso de la aurora de 1972) han sido posteriores, y es aquí donde se resalta per se la importancia de esta ópera rock.

Mi intención ha sido demostrar el valor cultural de una obra musical que ya tiene 49 años, que permanece como un hito histórico del rock nacional sin nada que envidiar a cualquier otra obra extranjera. Espero haberlo logrado.

Si desean conocer un poco más acerca de La Biblia, la idea, gestación, grabación, arreglos, las cintas originales perdidas y mucho mas, los invito a que escuchen el programa de La Puerta en el cual desarrollamos todos estos temas.